アーティストステートメント
アーティストとしての私の使命は、伝統工芸とそれを支える職人たちへの敬意を作品を通して示すことにあります。模倣が溢れる現代では、本物の価値が静かに失われつつあります。芸術の現場では、しばしばコンセプトが作品そのものを覆い、ファッションではブランディングが素材や制作背景の真価を隠してしまうことがあります。食品でさえ、加工や添加の影響を免れるものは多くありません。
何世紀にもわたり技を磨き続けてきた多くの職人は、急速に変化する時代のなかで仕事の継続が難しく、後継者不足という深刻な課題を抱えています。だからこそ、私は“本物”を支え、その精神を可視化することに深い意義を感じています。
私は日本画を、自身の表現媒体であると同時に、文化的アイデンティティとして捉えてきました。天然の岩絵具や鉱物を用い、技術だけでなく哲学をも内包する日本の伝統を受け継いでいます。筆を重ねることで生まれる独特のリズムは、画材づくりに携わる職人たちの献身を映し出す、静かな鍛錬の営みです。
十五歳で日本を離れた私は、一時は文化的アイデンティティの喪失を感じていました。しかし、日本画の制作を通じて、故郷との繋がりを再び取り戻すことができました。
私の作品は、しばしば記憶から立ち上がります。静寂の瞬間、ふとした出会い、そして時を経て再び立ち現れる感情や考察。それらを文化史と自身の体験の双方から構成し、過去と現在が交差する空間として画面に定着させています。鑑賞者の個人的な読み取りを歓迎し、ささやかな驚きの要素を織り交ぜることで、作品との対話が深まることを願っています。
マルセル・デュシャンが1957年の講演「Creative Act」で述べたように、鑑賞者の反応が作品を完成させると私は考えています。その完成は時に、作家自身の意図を超えてゆきます。だからこそ、私の多くの作品はあえて無題のままにしています。
今後は、手仕事の価値をより広く伝えることを目指しています。漆芸、木彫、陶芸など、異なる分野の名工たちとの協働や委嘱制作を通し、私の作品が評価を高めることで、私に創造的な刺激を与えてくれる職人たちへ還元する仕組みを育てていきたいと考えています。観客には、職人技の奥行きと持続性を体験していただき、その工程と精神が大量生産では到達し得ない豊かさを備えていることを伝えていきたいと思っています。
My mission as an artist is to honor traditional crafts and the artisans who sustain them. In a world saturated with imitation, authenticity is quietly disappearing. In art, concept often overshadows the work itself; in fashion, branding hides the true quality of materials and making; even food is rarely untouched by chemicals. Many craftspeople, carrying skills refined over centuries, struggle to find successors because their work is difficult to sustain in a fast-paced economy. Supporting what is real, therefore, feels profoundly meaningful.
I have embraced Nihonga as both my medium and my cultural identity. Working with natural pigments and minerals, I continue a Japanese tradition that is as philosophical as it is technical. The patient layering of brushstrokes creates a rhythm of presence—a quiet discipline that mirrors the devotion of the artisans who prepare many of Nihonga’s materials. Having left Japan at fifteen, I once felt the loss of cultural identity; this practice became a way to reconnect with where I come from.
My paintings often arise from memory: moments of stillness, fleeting encounters, and reflections that resurface long after they have passed. Drawing on both cultural history and lived experience, I create compositions where past and present meet—spaces for contemplation and reconnection with what endures. I welcome each viewer’s personal interpretation and enjoy weaving in subtle elements of surprise to spark reflection. Influenced by Marcel Duchamp’s 1957 lecture The Creative Act, I believe that the spectator’s response completes a work of art—sometimes in ways that exceed the artist’s original intention. That is why most of my artwork stays untitled.
Looking ahead, I aim to elevate the visibility and value of handmade work. My ambition is for my art to gain significant recognition and resources that can be directed toward the craftspeople who inspire me—through commissions and collaborations with masters of other disciplines such as 塗師 (lacquer painters), 仏師 (Buddhist wood sculptors), and 工芸家 (ceramists). I want audiences to experience the depth, resilience, and longevity of craftsmanship, and to see how its process and purpose far outlast mass production.
BIO（略歴）
大塚竜駆（1996年東京生まれ）は、パリを拠点に活動する日本人現代美術家です。彼は、天然顔料と鉱物を用いた日本の伝統的な絵画技法である日本画を、駒典子に師事しました。この技法を自身の文化的アイデンティティの基盤として捉え、記憶、存在、そして過去と現在の対話といったテーマを、重層的な筆致と根気強い反復を通して探求しています。
Ryuku Otsuka (b. 1996, Tokyo) is a Japanese contemporary artist based in Paris. He practices Nihonga, the traditional Japanese painting method using natural pigments and minerals, which he learned under Koma Noriko. Embracing this technique as a way to ground his cultural identity, Otsuka explores themes of memory, presence, and the dialogue between past and present through layered brushwork and patient repetition.