アーティストステートメント
アーティストとしての私の使命は、伝統工芸とそれを支える職人たちに敬意を表すことです。模倣が蔓延する世界では、本物は静かに失われつつあります。芸術においては、コンセプトが作品そのものを覆い隠してしまうことがよくあります。ファッションにおいては、ブランディングが素材や製造工程の真の品質を覆い隠してしまうことがあります。食品でさえ、化学物質の影響を受けていないものはほとんどありません。何世紀にもわたって磨き上げられてきた技術を持つ多くの職人たちは、急速に変化する経済の中で仕事を維持することが困難であるため、後継者探しに苦労しています。だからこそ、本物を支えることは、深い意義を感じます。
私は日本画を、自分の表現媒体であると同時に、文化的アイデンティティとして受け入れてきました。天然の顔料や鉱物を用い、技術面だけでなく哲学面も兼ね備えた日本の伝統を継承しています。筆遣いを丹念に重ねていくことで、存在感のあるリズムが生まれます。それは、日本画の多くの画材を準備する職人たちの献身的な姿勢を映し出す、静かな鍛錬の精神です。15歳で日本を離れた私は、かつて文化的アイデンティティの喪失を感じていました。しかし、この制作を通して、自分の故郷と再び繋がることができました。
私の絵画は、しばしば記憶から生まれます。静寂の瞬間、束の間の出会い、そして過ぎ去ってからずっと後に再び浮かび上がる反省などです。文化史と実体験の両方を基に、過去と現在が交わる構図を創り上げています。それは、永続するものとの思索と再接続のための空間です。鑑賞者一人ひとりの個人的な解釈を歓迎し、さりげない驚きの要素を織り交ぜて考察を促すことを楽しんでいます。マルセル・デュシャンの1957年の講演「創造行為」に影響を受け、鑑賞者の反応が芸術作品を完成させると信じています。それは時に、作家の当初の意図を超える形で完成することもあります。だからこそ、私の作品のほとんどは無題です。
今後は、手仕事の認知度と価値を高めることを目指しています。漆芸家、木彫仏師、陶芸家といった他分野の巨匠たちとの委嘱やコラボレーションを通して、私の芸術がより大きな評価を得て、私にインスピレーションを与えてくれる職人たちに還元できるようなリソースを獲得したいと考えています。私は観客に、職人技の奥深さ、耐久性、長寿を体験してもらい、そのプロセスと目的が大量生産をはるかに超えて長く続くことを知ってもらいたいと考えています。
My mission as an artist is to honor traditional crafts and the artisans who sustain them. In a world saturated with imitation, authenticity is quietly disappearing. In art, concept often overshadows the work itself; in fashion, branding hides the true quality of materials and making; even food is rarely untouched by chemicals. Many craftspeople, carrying skills refined over centuries, struggle to find successors because their work is difficult to sustain in a fast-paced economy. Supporting what is real, therefore, feels profoundly meaningful.
I have embraced Nihonga as both my medium and my cultural identity. Working with natural pigments and minerals, I continue a Japanese tradition that is as philosophical as it is technical. The patient layering of brushstrokes creates a rhythm of presence—a quiet discipline that mirrors the devotion of the artisans who prepare many of Nihonga’s materials. Having left Japan at fifteen, I once felt the loss of cultural identity; this practice became a way to reconnect with where I come from.
My paintings often arise from memory: moments of stillness, fleeting encounters, and reflections that resurface long after they have passed. Drawing on both cultural history and lived experience, I create compositions where past and present meet—spaces for contemplation and reconnection with what endures. I welcome each viewer’s personal interpretation and enjoy weaving in subtle elements of surprise to spark reflection. Influenced by Marcel Duchamp’s 1957 lecture The Creative Act, I believe that the spectator’s response completes a work of art—sometimes in ways that exceed the artist’s original intention. That is why most of my artwork stays untitled.
Looking ahead, I aim to elevate the visibility and value of handmade work. My ambition is for my art to gain significant recognition and resources that can be directed toward the craftspeople who inspire me—through commissions and collaborations with masters of other disciplines such as 塗師 (lacquer painters), 仏師 (Buddhist wood sculptors), and 工芸家 (ceramists). I want audiences to experience the depth, resilience, and longevity of craftsmanship, and to see how its process and purpose far outlast mass production.
BIO（略歴）
大塚竜駆（1996年東京生まれ）は、パリを拠点に活動する日本人現代美術家です。彼は、天然顔料と鉱物を用いた日本の伝統的な絵画技法である日本画を、駒典子に師事しました。この技法を自身の文化的アイデンティティの基盤として捉え、記憶、存在、そして過去と現在の対話といったテーマを、重層的な筆致と根気強い反復を通して探求しています。
Ryuku Otsuka (b. 1996, Tokyo) is a Japanese contemporary artist based in Paris. He practices Nihonga, the traditional Japanese painting method using natural pigments and minerals, which he learned under Koma Noriko. Embracing this technique as a way to ground his cultural identity, Otsuka explores themes of memory, presence, and the dialogue between past and present through layered brushwork and patient repetition.